Tarzán: El Rey de la Selva supera los 100 años.

Es el monarca absoluto de la jungla. Quien llegara como un bebé, tantos años atrás a la selva africana, fue criado por los simios que le dieron una seguridad, valor y fuerza incomparables. Desconociendo su legado aristocrático, Tarzán gritó, peleó y se balanceó contra el mal tantas veces que se convirtió en leyenda. A un siglo de su creación, te presentamos su salvaje historia.

El Creador de Mitos

Hay pocos nombres en la ficción narrativa tan importantes como el del creador de Tarzán, Edgar Rice Burroughs. Nacido el 1 de Septiembre de 1875 como el cuarto hijo de un veterano de la Guerra Civil norteamericana, fue educado casi exclusivamente para ser y comportarse como un militar, pero un problema al corazón lo alejaría para siempre de las trincheras y truncaría su sueño por seguir los pasos de su padre.

Pero a finales del Siglo XIX, todas las cosas estaban cambiando. Nacían nuevas tecnologías, otras visiones del mundo y aunque para Burroughs nada en su vida parecía satisfacerlo completamente, la renovación de ideas le llegaría con el albor del nuevo centenario. Trabajó durante años en una granja, en la firma de su padre e incluso como vendedor de sacapuntas: a los 36 años, Burroughs (ya casado y con hijos) sentía que no había hecho demasiado por la vida y aprovechando el tiempo que le dejaba su nueva carrera de vendedor, comenzó a leer ficción en las populares revistas de pulp de la época. Al poco rato, descubrió algo interesante: la mayoría de las historias le parecían sosas y mal escritas, y aunque nunca había escrito algo antes, no lo pensó dos veces, y se instaló él mismo a crear las suyas, inspirado por crear cuentos mejores. No tenía absolutamente nada que perder.

Para comienzos de 1912, Burroughs ya tenía su primera historia publicada en la All-Story Magazine. Se trataba del primer boceto de una saga interplanetaria, llamada “Under the moons of Mars” (Bajo las lunas de Marte), pilar fundamental para la saga de Barsoom, que conocemos actualmente como las aventuras de John Carter. Homenajeando por fin a su padre, Burroughs sueña con un soldado de la Guerra Civil que es transportado a Marte para salvar a Dejah Thoris, la princesa del planeta rojo. Mezclando varios estilos de la época, su narración deja perplejos a los lectores, y antes de que termine ese año, tendría escrita la primera novela de esa saga (“A Princess of Mars”), que mezclaba romance, misterio, acción y un agregaba nuevo elemento en la cosecha: la ciencia ficción.

John Carter era un hit en el medio, pero Burroughs tenía nuevas ideas. Renunciando a sus demás trabajos, se convierte en escritor de tiempo completo y comienza a perfeccionar poco a poco su narrativa. Mientras, la crítica especializada no sabía muy bien que pensar de su trabajo. Si bien le faltaba algo de depuración, lo fantástico de las ideas que proponía equilibraban cualquier falla técnica. Burroughs fue prolífico como pocos y a pesar de su edad, aprovechó cada momento para extender su legado: así, 1912 aún no acababa y en Octubre del mismo año surge de su pluma otro clásico instantáneo: “Tarzan of the Apes”. Otro héroe apolíneo, otro ejemplo de hombre, pero esta vez dentro de una guerra natural: luego de que sus padres mueren, el pequeño John Clayton queda abandonado en la jungla, solo para ser adoptado por Kala, una gorila que lo cría como su propio hijo. Comienza el camino entonces del hombre bestia, que sin saberlo, es un aristocrático heredero de una fortuna: Lord Greystoke. Los elementos del pulp y la aventura que tanto le fascinaban a Burroughs son ampliamente explorados en la faceta de este héroe que crece lejano a la humanidad, pero se mantiene de buen corazón e intachable honor. Los simios, desconfiados, lo bautizan “Tarzán” que en su lengua quiere decir casi despectivamente “piel blanca”. El concepto es un éxito y la revista en donde se publicó se comienza a agotar casi inmediatamente. Burroughs comienza a ascender en popularidad incluso pese a sus detractores -entre los que se contaba el gran Rudyard Kipling (creador del Libro de la Selva, protagonizada por otro niño salvaje, Mowgli)-, sosteniéndose totalmente en los fieles fanáticos de sus textos, que cada vez ocupaban más planas del All-Story Magazine y la Argosy, otra revista de ciencia ficción y fantasía.

Los editores no fueron ciegos al efecto del Rey de la Jungla, y ya para 1914, había suficiente material como para publicarlo en formato de novela, que tendría incluso el mismo nombre: “Tarzán de los monos”. La popularidad del personaje se disparó de tal manera que se apropió del mundo de los libros (la saga completa se extendería hasta la década de los cuarenta, con más de veinte secuelas), sino también de la radio, el cine, los cómics y la televisión. Es más, el escritor fue un pionero en exportar un protagonista a otros medios, aún ante la resistencia de los expertos del siglo pasado, que consideraban que un lector solo estaría interesado en un solo tipo de formato. Burroughs confirmó su punto y mientras películas (filmadas a partir de 1918, más adelante ahondaremos en ellas) e historietas con adaptaciones de su personaje (partiendo con la tira periódica de 1929, de la cual también comentaremos después), siguió extendiendo el universo del Hombre Mono y de John Carter, agregando nuevos hitos en sus historias y develando un mapa creativo simplemente notable. Barsoom (Marte), Amtor (Venus) y la increíble tierra perdida de Pellucidar (accesible desde los polos, en el centro de la Tierra), aparecerían una y otra vez en sus relatos, en donde también trabajaría el western, el romance histórico y la acción.

Sin duda que Tarzán se convertiría en su mayor creación y aporte a la fantasía moderna, despertando el interés de grandes y chicos en la lectura y presentando a uno de los primeros héroes clásicos, incluso antes de que la Era Dorada de los superhéroes comenzara formalmente. Con más de setenta novelas escritas y un legado que muchas veces deja pequeño a su propio nombre, Edgar Rice Burroughs fallece en Marzo de 1950 tras muchos problemas al corazón, los mismos que lo alejaron en un principio del sueño de ser militar, pero que sin saberlo, comenzaron un camino creativo que duró décadas. Y es que quizá fue ese sentido visionario y expansivo de Burroughs el que le permitió convertir, con los años, a John Carter y Tarzán, en verdaderos mitos que incluso a cien años de su creación, siguen marcando pauta en el imaginario del mundo entero.


Leyendas de la Selva

Antes de pasar derechamente a los cómics, se hace obligado hacer un tour por las más grandes aventuras del Rey de los Monos. No solo por la originalidad que tenían, sino porque sientan las bases de cualquiera de sus adaptaciones, inclusive la historieta que nos convoca. El primer hito literario de Tarzán, la novela “Tarzan of the Apes” (1914), nos cuenta exactamente el origen de nuestro héroe y más que nada, lo vuelve a encauzar hacia la civilización, cuando en el medio de la selva (y justo en el lugar donde su padre falleció), se encuentra con Jane Porter, la primera mujer que el hombre mono ha visto en su vida, y desde ese momento, su interés romántico. El encuentro entre el resto del mundo civilizado y la jungla se desarrolla mientras Tarzán aprende francés, modales y comienza a reconocer su herencia, no sin antes batallar con diferentes peligros de la selva, incluso una tribu africana que pone en jaque a varios exploradores. Como Burroughs conocía el potencial del personaje, la primera novela de Tarzán termina con un final melancólico que deja a los lectores insatisfechos y pidiendo más. El Rey de la Selva volvería en “The Return of Tarzan” (1915), con nuestro protagonista viajando a Europa y alejándose de las lianas, en donde visita a su amigo francés Paul d’Arnot y conoce a los que serían los villanos recurrentes de sus aventuras, el millonario Nikolai Rokoff y Alexis Paulvitch, su fiel servidor. Ambientada en diversos escenarios de la Europa del siglo pasado, la secuela es un éxito instantáneo y ya para 1916 se publicaba la novelización de su siguiente tanda de cuentos sobre el Hombre Mono, titulada “The Beasts of Tarzan”, en donde por fin nuestro héroe abraza su legado noble y toma el título de Lord Greystoke... pero su propio hijo es raptado por sus ya clásicos enemigos rusos. El control del ahora civilizado Tarzán se pierde y solo los instintos animales lograrán salvar a su retoño. Anualmente, Burroughs extiende la mitología de Tarzán, agregando detalles del pasado o incluso del futuro. En 1917 es el turno de la novela “The Son of Tarzan”, en donde cuenta las aventuras de Jack Clayton y su transformación en el nuevo Rey de la Jungla; en 1918 se publica “Tarzan and the Jewels of Opar”, explotando cada centímetro de la aventura y el descubrimiento de la ciudad perdida (ya aparecida en la segunda novela) y que sería la última colonia de la Atlántida. Con tanta historia por contar, Burroughs incluso se da el lujo de incluir una especie de recopilación con aventuras de Tarzán a lo largo de los años, en “Jungle Tales of Tarzan” (1919), en donde por ejemplo, está la clásica fábula de su primer amor, la simio Teeka, años antes de conocer a Jane. Hasta 1937, mínimo un libro anual de Tarzán aparecía en el mercado, mientras que versiones en los demás medios de comunicación seguían creciendo y aumentando su mitología. En total (junto a una obra póstuma, “Tarzan: The Lost Adventure” editada en 1995), son 26 novelas con las más increíbles aventuras del Hombre Mono y su salvaje universo, la fuente original desde donde beben todas sus adaptaciones posteriores, como esta colección de historietas.


La Jungla de Viñetas

El marco de las aventuras de Tarzán es tan gigantesco, que simplemente, las novelas le quedaron chicas para seguir narrando sus aventuras. Edgar Rice Burroughs quizá siempre lo supo, y uno de los lugares en donde potenció más al héroe -además del cine- fue en las tiras cómicas e historietas. La primera aparición de Tarzán en la narrativa gráfica fue en las tiras de los diarios distribuidas por el United Feature Syndicate, que llenó varios periódicos a partir de 1929, con ilustraciones de Hal Foster. Gracias a que todo lo que parecía tocar Tarzán lo volvía oro, la tira se convierte en página completa para 1931, apareciendo todos los Domingos de la mano de Rex Mason. La tira seguía muchas veces aventuras al azar del Hombre mono, y solo visitaba algunos de los momentos clásicos de las novelas de Burroughs cuando era necesario. Con el pasar de los años, una decena de artistas y guionistas participarían en ella, agregando incluso elementos de otros personajes de Burroughs, como el mismísimo John Carter de Marte.

La llegada de Lord Greystoke a las revistas de cómics se daría recién en 1947, dentro de la Four Colour Comics, de la Western Publishing/Gold Key y luego en su propio título, simplemente llamado “Tarzan”, que se publicaría mensualmente hasta 1972, adaptando casi la totalidad de las novelas y contando un par de historias originales. Paralelamente, entre 1964 y 1972, aparecería una colección basada en el hijo del héroe, “Korak: The son of Tarzan”, contando más aventuras del heredero de la Jungla.

Quizá uno de los momentos más importantes en el noveno arte para Tarzán se da justamente en ese último año, en donde los derechos de reproducción recaen sobre DC Comics, justamente la colección que hoy tienes en las manos. Dibujada y escrita por el maestro Joe Kubert, fue la celebrada versión que la recordada Editorial Novaro publicara en Latinoamérica bajo el título “Tarzán de los Monos” en la década de los setentas. Básicamente, se trataba de la versión actualizada del origen de Tarzán, extrayendo material directo de su primera novela y algunos detalles de sus posteriores secuelas. El estilo gráfico de Kubert -que justo estaba en el punto alto de su carrera - convirtió al cómic en un clásico instantáneo: presentaba al héroe moderno con una soltura como la de un superhéroe, con una mejor narración y más dinámico enfoque, algo perfecto para el personaje. DC seguiría la numeración original planteada por la Western Publishing, iniciando la aventura con Kubert en el número #207 y exploraría el universo de nuestro héroe hasta el #258. Además, rebautizaría el cómic de Korak como “Tarzan Family”, aunque sólo duraría por siete episodios.

Marvel, la Casa de las Ideas, se haría con Tarzán para finales de 1977, borrando de un plumazo todo la continuidad numérica anteriormente realizada y comenzando con un nuevo número uno, en la increíble “Tarzan, Lord of the Jungle”, dibujada por otro grande del lápiz, John Buscema. En total 29 episodios que tomarían diferentes partes de los libros originales, inclusive algunos que Joe Kubert no había tocado. De esta manera, la mayoría de las novelas conseguían adaptación al cómic y aunque Marvel eliminara la revista del hijo de Tarzán, si le entregó nuevos aires a sus aventuras.

Entre los ochentas y noventas, la colección del Hombre Mono vaga de una editorial a otra (Blackthorne Publishing, Malibú Comics), sin continuidad segura, hasta que finalmente, la editorial Dark Horse tomaría las riendas de la leyenda selvática, publicando al personaje por intervalos desde 1996 hasta nuestros días, adaptando -como antes- viejas historias y hasta reimprimiendo algunos clásicos de la Western y la misma DC. La principal novedad es la gran inventiva de juntar a Tarzán con personajes de otros universos, como Batman o Superman (cada uno con su historia en particular, sin relación entre ellas) e incluso con Depredador (la misma raza de las famosas películas), en la saga “Tarzan versus Predator at the Earth’s Core”.


La Escuela de Kubert

En el mundo del noveno arte, el nombre de Joe Kubert es tan inmenso que incluso alberga su propia escuela. Legendario dibujante pero también gran editor y escritor, dejó no solo a sus hijos como legado -Andy y Adam Kubert, dos de los más prestigiosos artistas de la actualidad- sino que obras de una calidad y factura como no se veían en su época.

Nacido en Polonia, e hijo de una familia judía, se refugió en Nueva York desde los primeros meses de su vida. Su pasión y talento con los dibujos era tanta, que antes de cumplir 15 años, ya trabajaba ilustrando y entintando para diferentes editoriales (entre ellas la Archie Comics, popular casa de los jóvenes de Riverdale). Kubert supo desde siempre cuál era su pasión, e incluso se escapaba de clases para poder postular a nuevos trabajos de ilustración o que tuvieran que ver con historietas. A sus cortos años, comenzó a hacerse un nombre en diferentes compañías y ya para 1942 trabajaba coloreando a una de las más grandes leyendas del medio: “The Spirit” de Will Eisner.

Es en esta década en donde arriba a DC (llamada All-American Comics en aquel tiempo), justo en el momento que ésta brillaba como ninguna otra editorial de héroes y disponía con la lista más grande de capas y mallas. Se hace cargo de los Seven Soldiers of Victory y de Hawkman, imponiendo su estilo dinámico, casi fílmico, que lo hace popular enseguida. Para los cincuenta, ya tenía varios personajes creados (como Tor, el cavernícola) y había dirigido y editado montón de proyectos en otras compañías, aunque siempre volvería a DC para colaborar en cómics de aventuras y guerra, como el mitológico Viking Prince, el clásico Haunting Tank o el legendario Sgt. Rock. Previo a este momento es el instante en donde el mismo Joe se acercó a los jefes de DC y les pidió que se hicieran con los derechos de Tarzán. Según Kubert, tenía una versión más moderna del personaje, que describiera al Hombre Mono como una bestia rápida, sagaz; menos inmensa y musculosa que otras versiones, pero bastante más dinámica. Las pruebas de Kubert fueron suficientes para convencer a DC, y Kubert pasaría a editar, escribir, rotular y dibujar la nueva revista del Hombre Mono.

La fluidez y profesionalismo de Kubert se consolida de manera triunfal en 1976, en donde abre sus puertas The Kubert School (http://www.kubertschool.edu/), que se mantiene hasta el día de hoy como la única escuela reconocida en el mundo para ilustradores y caricaturistas, en una carrera de tres años y con ramos que incluyen como manejarse en editoriales y publicarse a uno mismo como autor.

Lamentablemente, el 12 de Agosto del 2012, con casi 86 años, el viejo Joe bajaría el lápiz por última vez, trabajando, creando, como siempre lo hizo desde pequeño. Sus personajes, sus lectores, su escuela y su impecable estilo narrativo quedarán como un legado imborrable para todos los que amamos las viñetas.


El Tarzán de Unlimited

Como ya lo mencionamos anteriormente, en esta colección comenzaremos un viaje hacia el universo de Tarzán dirigido cien por ciento por Joe Kubert, pero alimentado desde la base por todas las historias de Burroughs. Comenzaremos con la saga “Origin of the Ape Man” (El origen del Hombre Mono), la brillante y dinámica adaptación de Kubert sobre la primera novela de Tarzán; para luego pasar a “Jungle Tales of Tarzán” (Historias de la Jungla), con los relatos que sitúan al Rey de la Selva a lo largo de varios años y rematar, más adelante, en la versión en viñetas de la secuela original de Burroughs: “The Return of Tarzan” (El regreso de Tarzán), cuya continuación emocionó a los lectores de la época, incluyendo villanos clásicos para nuestro héroe, y finalizaremos con el clásico “Tarzan and the Lion Man” (Tarzán y el Hombre León), basada en la décimo séptima parte del mito, en donde Burroughs y Kubert satirizan con todo lo que fue la verdadera locura del cine por el Hombre Mono y le presentan al mismísimo Lord Graystoke una película de Hollywood basada en sus aventuras, entre medio del descubrimiento de una ciudad con un científico loco y decenas de gorilas parlantes. ¿Qué más se puede decir? Un día normal para Tarzán.

Hace más de cien años, un hombre común y corriente decidió contar historias de otros hombres, poco comunes y nada corrientes, sellando para siempre la cultura popular. Hoy, levantamos las lianas y gritamos a todo pulmón por el único y verdadero Rey de la Selva, pues sabemos que seguirá entre las bestias luchando por la justicia y que más temprano que tarde, volverá a las pantallas del cine, los cómics, la televisión, los videojuegos y los libros, porque su verdadero reino, es el de nuestra imaginación.

El legado de Percy: Pepe Antártico

Ha fallecido Percy Eaglehurst Ramos, otro de los historietistas insignes de Chile, llevándose el legado del más querido de los caraduras: Pepe Antártico. A sus 92 años, el artista seguía trabajando en el Diario LA Cuarta, y hasta el día de hoy, se seguían publicando sus picarescas tiras.

Percy y Pepe, no sólo son piezas infaltables en el cómic nacional, sino también parte del imaginario colectivo y la idiosincracia chilena, que siempre seguirá tras los pasos del balsa primigenio, el caradura legendario: el Antártico original.

Como homenaje a su legado, los invito a releer la extensa biografía que escribí para la colección de Pepe, editada por Unlimited, con un repaso por la picaresca de antaño y sus múltiples adaptaciones.

Adiós, Maestro.

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Pepe Antártico: El Sinvergüenza más querido de Chile.

Les llaman vivarachos. Pillos. Caraduras. Existen desde tiempos inmemoriales en el ADN nacional, siempre inventando una excusa para salir del paso, dedicando piropos a las más exuberantes mujeres o sacando fiestas instantáneas desde debajo de la manga. El más reconocido de todos ellos nació en el noveno arte. Ésta es la historia de Pepe Antártico.

Acerca de los Sinvergüenzas

Los invito a un juego. Lean despacio el título de esta introducción y traten de no imaginarse a alguien. Vamos, hagan la prueba. ¿Ya trataron? Es casi imposible: todos conocemos, por lo menos, a un par de pillos al que el seudónimo les calza perfecto. Los sinvergüenzas se pasean por las calles de nuestro país a sus anchas, con diferentes edades, caras, sexos y estratos económicos. Los hallamos en nuestras escuelas, trabajos y televisores; nos los encontramos inclusive en nuestra propia casa. No logramos nada con mentirnos: muchas veces en el espejo encontramos la imagen de un sinvergüenza esperando a salir; esa parte del cerebro que quiere ir a por todas sin importar las consecuencias y que hará cualquier cosa para salir del paso y conseguirlo. El verdadero caradura es un sobreviviente, un soldado social: lejos de ocupar una connotación negativa, es una parte vital de como los chilenos reaccionamos a nuestro entorno.

La Historieta Picaresca en Chile

En la década de los veinte el entorno era diametralmente opuesto al que vivimos hoy, rodeados de sobre información y sugerentes imágenes. Sin embargo, el alma pirata del sinvergüenza chileno sólo buscaba un buen medio por el cual salir a escena. En 1923, se imprime “Mi Kits, humor y picardía”, publicación semanal que superaría los veinte ejemplares. Tendrían que pasar más diez años para dar espacio a “Sex Appeal” de 1939. Ambas publicaciones contaban con ilustraciones de bellas mujeres y chistes ilustrados de doble sentido.

Una vez llegada la década de los cuarenta, la sugerentes imágenes del Pin-Up estadounidense –tendencia que retrataba a voluptuosas chicas con un estilo coqueto- se habían esparcido por el mundo debido a la Segunda Guerra Mundial y generan a nivel mundial un “revival” de estas historietas, pensadas para un público derechamente más adulto que el que consumía cómics de acción y aventura. Algunos ejemplos concretos de la época son “Rico Tipo” (exitoso cómic argentino) y “Pobre Diablo” (la infaltable versión nacional), las cuales fueron ilustrados por los mejores dibujantes de la época. Diversos personajes surgieron en esas páginas, generando gran éxito y lectores fieles. Por esta razón, muchos diarios de la época abrieron una oportunidad para que los ilustradores pudieran continuar sus trabajos en secciones especiales de sus tabloides, aprovechando el boom del movimiento. Terminaba aquella década y en uno de estos periódicos –el diario Última Hora- trabajaba dibujando un universitario de nombre Percy Eaglehurst, sin saber que estaría a punto de convertirse en una leyenda de la historieta nacional…

Los Orígenes de Percy

Pero nos estamos adelantando en la historia de este legendario caricaturista, y para revisar el origen de Antártico, hay que retroceder unas decenas de años atrás, donde comienza la cadena de eventos y coincidencias que más tarde culminarían con el génesis del personaje. Mucho antes de que Percy siquiera naciera, su padre –el galés Walter M. Eaglehurst- se quedó varado en Uruguay, sin poder embarcarse de vuelta hacia Europa. ¿La razón? La Primera Guerra Mundial estallaba con furia, y un buque alemán les tapaba el regreso hacia el viejo continente. A la tripulación de Walter se les recomendó entonces que buscaran trabajo en Sudamérica, y el padre de Percy –que contaba con estudios de ingeniero- partió hacia Argentina. Quizás ahí se hubiera quedado de no ser porque se enteró de que al otro lado de la cordillera se estaba gestando un paraíso de oro blanco. El padre del caricaturista no lo pensó dos veces, y se instaló en el norte de Chile trabajando en el medio de la pampa salitrera. Ahí conocería a Telésfora Ramos, la hija menor de su jefe, con la que iniciaría un romance que terminaría en matrimonio. En 1922 nacería en Antofagasta el cuarto hijo de la pareja, Percy Eaglehurst Ramos, quien desde pequeño tendría la pasión del dibujo y el arte en general. 

Al pasar los años, el joven Percy aún no encontraba su lugar y aunque su padre lo visualizaba como un ingeniero igual a él, su retoño –quien no compartía el cariño por los números ni las matemáticas- tenía otras ideas: apenas terminó el colegio se vino a Santiago a estudiar Construcción Civil, pero al año dejaría el ramo por Educación Física. Percy tampoco encontró su camino en el ejercicio, y dedicó dos años para estudiar en el Bellas Artes. Finalmente, esa experiencia lo prepararía para el Pedagógico Técnico de la Universidad de Chile, desde donde se titularía como profesor de dibujo y publicidad. Paralelo a esto, el universitario Percy participaría de manera frecuente en revistas e historietas que se publicaban en la capital, tales como “Topaze”, “El Cabrito”, “Pollo Tejada” y “El Día”, entre otros. El humor y lo picaresco estaba publicándose con mucha fuerza y Percy aprovecharía una increíble oportunidad para construir a su inolvidable personaje.

La Corta vida de José Fresco

Por el año 1947, el diario Última Hora publicaba las aventuras del “Doctor Pacomio”, una tira argentina cuya versión chilena (“El Otro yo del Doctor Merengue”) tenía un humilde éxito. Por distintos problemas diplomáticos entre las naciones trasandinas, el periódico se quedó sin tira cómica, y había que rellenarla, urgentemente, con algo nuevo.

A Percy -que ejercía en ese entonces como dibujante periodístico- se le encargó crear un personaje en la misma línea del doctor, pero con un carisma más autóctono: un tipo astuto, fresco y deslenguado, canchero pero sin caer en el reconocido arquetipo del roto chileno ni del huaso, que ya tenía representantes claros en las viñetas. Percy, con 25 años, tuvo la tarea de desentrañar al chileno de clase media, un personaje común y corriente que reflejara una parte de nuestra idiosincrasia, sin caer en la vulgaridad. No podía ser un tipo triste, amargado, ni con mala suerte, sino al contrario: para Percy era necesario que tuviera una alegría y humor a flor de piel, que fuera siempre curioso y por lo mismo, un eterno intruso. De a poco, el caricaturista fue armando a este adorable sinvergüenza con un singular apetito por el género femenino. Luego de darle un par de vueltas, un nombre surgió de forma natural: José Fresco. Y tal vez hubiera sido el nombre con el cual se hubiera publicado finalmente, sino fuera por la noticia estrella de aquella época: Gabriel González Videla, Jefe de Estado por esos años, aparecía en todas las noticias con el sobrenombre de “el Presidente Antártico”, celebrando la posesión chilena en las blancas tierras del sur. Para Percy quedó todo claro. Cambió el apellido del personaje y al presentarlo en el periódico, su editor haría la otra parte, acortando José con el diminutivo que todos conocemos: había nacido el gran Pepe Antártico.

Construyendo a Pepe Antártico

Sin lugar a dudas, una parte vital del personaje es su particular apariencia. La característica más visible es su inmensa nariz. Percy lo hizo con su qué: como todo intruso Pepe Antártico iba a meter las narices incluso donde no lo llamaran. Dueño de un jopo clásico para la época y vestido originalmente con un traje a rayas, contaba con una bajísima estatura, que lo dejaba a la altura exacta para disfrutar de los encantos femeninos.

La preferencia de Antártico no tiene límites: le gustan las mujeres bellas y exuberantes, pero si tiene problemas, utilizará su vocabulario e ingenio hasta para convencer a algunas de no tan afortunado aspecto, siempre que pueda conseguir algún beneficio de ello. El pequeño Don Juan no es joven tampoco, pero la edad no lo ha convertido en un hombre responsable: suele meterse en problemas imposibles de los cuales –muchas veces- no sabe como salir. A pesar de su tamaño y narizota, parece disfrutar de un éxito más que respetable entre las féminas, pero si sus avances sobre ellas no son bien recibidos, puede terminar con algún ojo morado. Sus legendarios métodos de conquista no son detenidos ni siquiera por las mujeres casadas y sus armas de seducción son su gran humor, ingenio y frases con doble sentido. Pepe Antártico es el terror de los maridos, quienes temen encontrarse en cualquier momento al clásico jopo dentro de su lecho marital. 

Una y otra vez ha defendido Percy a su personaje de algunos malintencionados que consideran que Antártico incita al adulterio, lo que por supuesto, resulta falso. Las aventuras de Pepe, como toda buena caricatura, son una exageración de la realidad y todas las infidelidades que muestra son justamente para reírnos de nosotros mismos, tanto solteros como emparejados.

Es esta visión picaresca de la realidad la que hace que este pequeño galán tenga tanto éxito entre las damas, además de entregarle todos los disfraces concebibles (abogado, doctor, policía, explorador, vaquero entre otros), con la sola idea de divertir al lector en diferentes situaciones.

La Trayectoria de un Conquistador

Demás está decir que el éxito de las historias de Pepe Antártico lo han convertido en uno de los personajes con el recorrido más largo dentro de las viñetas nacionales. Luego de sus comienzos en las tiras de Última Hora, a finales de 1952 el caradura creado por Percy pasaría a publicarse periódicamente en el diario La Tercera, donde se radicaría por los próximos 40 años. En ese tabloide compartiría durante un tiempo un suplemento dominical con grandes personajes del cómic internacional, como “El Fantasma” y “Mandrake el Mago”. A mediados de los años noventa, la carrera de Pepe en las tiras diarias se cambiaría a La Cuarta, donde se mantiene hasta el día de hoy, tan vigente como en 1947. 

Aparte de publicarse en periódicos, Percy y su personaje probaron suerte en las revistas. El año 1951 saldría a la venta “Risas de Pepe Antártico”, que contaba con la recopilación de algunas tiras clásicas y alcanzaría un poco más de una decena de números. Casi al terminar la misma década, se publicaría “Pepe Antártico, el Agente 0096”, que continuaría por algunos números. Luego, durante un periodo que abarcó el final de los sesentas y la mitad de los setentas, nuestro sinvergüenza favorito contaría con una revista propia – “Pepe Antártico”-, con un tono más adulto, en donde figurarían ilustraciones de varios dibujantes, extendiendo sus tiras cómicas a relatos, aventuras y chistes varios. Además, incluirían recopilaciones del trabajo anterior de Percy junto con sugerentes fotos de modelos, en las cuales se dibujaba a Antártico a modo de entrevistador. La revista haría un pequeño retorno en la década de los ochentas, pero desapareció luego de un par de ejemplares. Finalmente hoy, luego de una larga espera, el pícaro del jopo vuelve en gloria y majestad a todos los quioscos.

Reconocimientos y Adaptaciones Antárticas

No sólo de revistas y diarios vive Pepe Antártico. Su difusión ha sido tal que sus aventuras se han visto traducidas a múltiples idiomas, e incluso han sido adaptadas por distintos medios. Tuvo sus cortos animados, su representación en el “Jappening con Ja” (interpretado por Patricio Torres)) y hasta una película directa al video protagonizada por el humorista Chicho Azúa. El 2007 se inauguró un monumento de Antártico en el Parque del Cómic, ubicado en la comuna de San Miguel, en Santiago.

Percy, por su parte, cuanta con cientos de distinciones nacionales e internacionales. Visitó los estudios de Walt Disney por una invitación personal de dos semanas, obtuvo el primer premio en el Concurso Teatral de 1958; fue el Premio Nacional de Periodismo –mención dibujo- en 1969 y también obtuvo el Premio Nacional de Tránsito en 1980. Por si fuera poco, Percy es profesor honorario en la Universidad Alcalá de Henares, la más antigua del mundo.

Luego de 64 años de éxitos, el camino sigue claro para Pepe y Percy: seguir sacando sonrisas mientras inspiran diariamente a ese querido sinvergüenza que todos los lectores llevamos dentro.

Superman, el hombre que podía volar.

No todos podemos cumplir setenta y cinco años y jactarnos de estar más jóvenes que nunca. Excepto uno. Un mito vestido de azul y rojo, inolvidable inspiración para más de cuatro generaciones. El primero del panteón superheróico, el sobreviviente, el inspirador, la leyenda que partió el incendio que hoy es la industria.

En su cumpleaños, subo un pequeño homenaje para el último hijo de kryptón, parte de la introducción original de la colección de Unlimited del superhéroe, que tuve la suerte de escribir hace algunos años. Un resumen para el que no conoce nada del kryptoniano, un regalo nostáligico para los que lo saben todo. 

Salud por los setenta y cinco, Clark Kent. 

Up, up, and away.

SUPERMAN: 

El Hombre de Acero 

Fue el primer superhéroe jamás creado, y desde sus comienzos, un ícono de la verdad y la justicia. Esta es la historia del último hijo de Krypton; el eterno personaje que nos hizo creer que un hombre podía volar. 

La evolución del Hombre de Acero.

Es casi imposible imaginarlo hoy, cuando los personajes con capas y mallas nos rodean en las pantallas del cine y televisión o en publicaciones como ésta, pero hace mucho tiempo, en la década de los treinta del siglo pasado, no existían los superhéroes. Por supuesto, sí habían cómics y figuras heroicas, y los niños de la época jugaban a los justicieros igual que ahora, pero casi ningún personaje tenía súper poderes. Los protagonistas enmascarados se limitaban a ocupar armas, antifaces; a viajar por el espacio o a explorar lo desconocido. Por años, aquellos titanes brillaron con valentía y coraje, pero el tiempo les cobró la cuota: se comenzaban a copiar entre ellos mismos, extinguiendo rápidamente una moda que se creía eterna. Y cuando parecía que los tebeos de aventuras desaparecerían para siempre, fueron un par de jóvenes de Cleveland los que cambiaron para siempre los estándares del cómic mundial. 

Siegel y Shuster: los hombres que lo iniciaron todo.

Joe Shuster y Jerry Siegel, dos mejores amigos fanáticos de aquellos héroes del pulp y de la mitología clásica, comenzaron a trabajar en un concepto transgresor para una época demasiado oscura: la segunda guerra mundial estaba por empezar, y la Gran Depresión cubría como una sombra a los Estados Unidos. Era necesario, entonces, inventar un personaje que fuera más que un héroe. Años antes habían creado un concepto de “Superman”, basado en la ciencia ficción, que no tuvo éxito ni popularidad, y que fue recibido con no pocas burlas de parte de muchos editores de aquellos años. Siegel, acostumbrado a recibir negativas editoriales, recogió todo el valor que le quedaba y no se desanimó: siguió trastocando su idea original por años hasta que logró dar con algo brillante: en alguna parte del Universo, un planeta a punto de explotar enviaba a la Tierra a su último sobreviviente, un niño que al crecer tendría habilidades sobrehumanos y que se convertiría en su salvador. Shuster recibió la idea con gran entusiasmo, y usó las siguientes horas para dibujar los primeros bocetos del que se sería el primer superhéroe de la historia. Sin saberlo, los dos amigos terminaban de colocarle una capa y una S gigante en el pecho al que se convertiría en el héroe definitivo hasta nuestros días. 

El legendario ACTION COMICS #1

Superman tuvo una carrera en los periódicos locales antes de saltar a los cómics. En el intertanto, Siegel y Shuster consiguieron trabajo en Detective Comics (hoy la editorial llamada DC), y esperaron pacientes, escribiendo otros personajes, hasta 1938, el momento del lanzamiento de Action Comics, una revista hermana de Detective y en donde Superman haría su debut en las revistas de historietas. Fue un éxito inmediato. No había idea publicándose en ese entonces que siquiera se le pareciese, y tanto niños como adultos creyeron inmediatamente en este personaje que podía “correr más rápido una bala”, ser “más poderoso que una locomotora”, y “sobrepasar edificios de un solo salto”, como rezarían sus promociones. Era el comienzo de una nueva era, la culminación del anhelo de dos amigos, y quizá una reproducción moderna de los mitos de la antigüedad que tanto les fascinaban: el superhombre lleno de virtud dispuesto a sacrificarse por cambiar el mundo.

Fue el momento indicado: las ventas de Action Comics volaron más que el mismo héroe, y las ediciones bordeaban el medio millón de ejemplares con cada número de su colección. Superman se convertía rápidamente en una sensación: se disparó a las radios, en donde tuvo sus programas de radioteatro; cultivó una serie animada y una serie con actores de carne y hueso (más información en el próximo segmento), y sus aventuras se publicaban en diarios y revistas por igual. Al pasar los meses, este nuevo concepto heroico se instalaba en el subconsciente de guionistas y dibujantes, dando inicio a la Golden Age de los cómics; una Edad Dorada en donde las mallas y capas de colores poblaron el imaginario popular y otros superhéroes, como Batman, The Flash o Wonder Woman seguirían las hazañas del súper campeón con la capa roja. Habían nacido los superhéroes.

Súper Adaptaciones 

Desde su aparición, Superman contó con el beneplácito de lectores y productores: era tan brillante y sencilla la idea bajo su origen y poderes, que adaptar sus aventuras a todos los medios conocidos era, más que lógico, un súper negocio. Luego de su reinado en periódicos y revistas, el Hombre de Acero se pasó en 1940 a la onda corta, con un radio teatro llamado “The Adventures of Superman”, en donde Bud Collyer hacía el papel del héroe y cuyo éxito la haría perdurar más de una década. Fue justamente en la radio donde nacieron las frases que definirían la presentación del superhéroe, preguntándose, mirando al cielo: “¿es un pájaro? ¿es un avión?”. La pantalla de la televisión aprovecharía este éxito para crear una serie de fabulosos cortos animados producidos por los Estudios Fleischer (1941), que contarían con la misma voz de Collyer y hasta se estrenarían luego en los cines, como una introducción para múltiples largometrajes en blanco y negro (1948) protagonizadas por Kirk Alyn, el primer hombre en colocarse las mallas azules.

Los más reconocidos Hombres de Acero.

Ya en 1952, Superman saltó a la pantalla chica con una serie de actores de carne y hueso, “Adventures of Superman”, protagonizada por el inmortal George Reeves, que tuvo más de 100 episodios al aire y se extendería hasta 1958. Para la década de los sesentas, se preparó como experimento un musical de Broadway protagonizado por el héroe: “It’s a bird, it’s a plane.. it’s Superman”, que no consiguió el éxito esperado, lo que fue subsanado por la nueva serie de cortos animados “The New Adventures of Superman”, que retomaban la historia clásica e incluso volvían a colocar la voz de Collyer como el kryptoniano.

En la década de los setentas, el imperio infantil estaba en los grandes estudios de animación, y Superman se aprovechó de esto para liderar a los “Super-Friends” (1973), una adaptación libre de la Liga de la Justicia por Hanna-Barbera que fue sensación en su época y se extendió, con varias temporadas, hasta 1986, justo en la época en donde DC Comics modernizaría al héroe con un nuevo origen.

Christopher Reeve, el hombre que voló.

No podemos dejar fuera a la inolvidable saga de películas protagonizadas por Christopher Reeve, las dos primeras (Superman, 1978 – Superman II, 1980) dirigidas por Richard Donner y Richard Lester, que se convirtieron en el referente moderno para los fans del personaje. Por primera vez se contaba con la tecnología para hacer de Superman un héroe con poderes creíbles en pantalla y fue la presencia de Reeve la que no sólo lo convirtió en un referente a seguir para los escritores y dibujantes de Superman de la época, sino que le hizo creer al mundo entero lo que Siegel y Shuster sólo soñaron décadas antes: que un hombre podía volar.


Mientras tanto, la televisión nos sorprendía con una nueva serie animada, titulada solamente “Superman” (1988), producida por la compañía Ruby Spears y que, a pesar de contar sólo con 13 episodios, incluiría la versión del tema de Superman en el cine, compuesto por John Williams. Ese mismo año, se estrenaría la serie con actores, “Superboy”, que a pesar de durar cuatro temporadas sería un verdadero desastre en críticas, pero que confirmaba el interés del público en las historias del hombre de acero.

Llegaban los noventas y las nuevas versiones del Último Hijo de Kryptón no se harían esperar: en televisión se estrenaría “Lois & Clark: The New Adventures od Superman” (1993-1997) protagonizada por Teri Hatcher y Dean Cain, y paralelamente en 1996, vería la luz la increíble “Superman: The Animated Series”, hermana de la popular serie de dibujos del Hombre Murciélago, y que para muchos, se convertiría en la lectura más fiel de Superman, bebiendo de todas las fuentes que nombramos anteriormente y llevando el estándar del héroe hacia el siguiente milenio. 

Superman: The Animated Series, quizá la mejor adaptación jam,ás hecha del mito acerca del último hijo de Kryptón.

El Hombre de Acero haría su debut en el siglo veintiuno con “Smallville” (2001), una exitosa serie de televisión que narraría las aventuras de Clark Kent antes de convertirse en el héroe invencible; a pesar de múltiples polémicas acerca de su calidad y fidelidad a la fuente original, se convirtió en parte importante del mito para los lectores de la nueva generación. Odiada por la gran cantidad de los fanáticos del cómic, la serie juvenil consiguió hacer lo que muchos otros proyectos intentaron sin suerte: familiarizar no sólo a Superman, sino a diferentes héroes y villanos con un montón de posibles nuevos interesados en la lectura de la historieta. Terminamos este recorrido con el director Bryan Singer y su visión del kryptoniano en “Superman Returns” (2006) una suerte de continuación de las películas de Donner y Reeve que sería un completo fracaso, tanto en críticas como espectadores y que dejaría en suspenso una nueva versión de Superman en la taquilla. 

Por eso, hoy los temores y expectativas de los fanáticos están puestas sobre Zack Snyder (300, Watchmen) quien será el encargado de llevar a nuestro héroe en una completamente remozada versión, llena de efectos y tecnología: la esperada “Man of Steel” (2013). En cuanto a adaptaciones, al Hombre del Mañana aún le queda mucho por pelear.

El Universo de la S 

La miniserie que presentó al Superman de la Edad Moderna: The Man of Steel de John Byrne.

Un largo camino desde Siegel y Shuster tendría que recorrer Superman para convertirse en el héroe que hoy leemos. Como fundador de la Golden Age, redefinió los estándares del héroe: como extraterrestre, llevaría una doble vida bajo su identidad humana, y sería tan sensible en sus emociones como los mismos lectores. Con los años, se le agregarían los detalles que son ya parte de su mitología: el Daily Planet (originalmente Daily Star); su nombre de civil, Clark Kent (cuando en un principio provenía de un orfanato); el planeta Krypton (anteriormente sin nombre) y la definición de todo sus personajes secundarios: Pa y Ma Kent, sus padres adoptivos; Jor-El y Lara, sus padres biológicos; Lois Lane, Jimmy Olsen y Perry White (la periodista enamorada, el ingenuo fotógrafo y el jefe rezongón): su gran base secreta en el ártico -la Fortaleza de la Soledad- y muchos otros personajes (inclusive una larga lista de súper-mascotas y súper-familiares) que se fueron convirtiendo en obligación al adaptar para cualquier versión que se precie del superhéroe. 

Quizá el más impactante de los momentos en la historia de Superman: su propia muerte.

Autores y artistas de la talla de Al Plastino, Wayne Boring y el maestro Curt Swan en los períodos clásicos; John Byrne, Jerry Ordway y Dan Jurgens en las épocas modernas y hoy, talentos de la talla de Jim Lee, JM Straczynski o Grant Morrison, han dejado su aporte para expandir el universo del superhéroe pero manteniendo su noble esencia intacta.


Los Villanos de la S

Es imposible pensar en Superman sin evocar a una figura que ha sido adaptada en casi todas sus versiones: Lex Luthor. Brillante científico, afamado millonario, el calvo autoprolamado “rey” de Metropolis es la mayor amenaza que tiene el Hombre de Acero, siempre complicándolo y poniendo a prueba sus poderes. Para Luthor es inaceptable la existencia de este “nuevo Dios” en su ciudad y se convence de que bajo su capa roja, el extraterrestre planea apoderarse de la Tierra. Entre lo múltiples experimentos que Luthor financia y realiza, encontramos a Bizarro, un clon malformado de Superman que comparte su fuerza y poder, pero afortunadamente no su intelecto. Como él, Parasite es otro monstruo derivado de la ciencia; una bestia púrpura capaz de absorber toda energía y ocuparla para su beneficio.

Luthor contra Brianiac: enemigos, rivales y amenazas.

Otra de las grandes amenazas clásicas del kryptoniano que veremos es una versión de Brainiac, un conquistador del planeta Colu que acumula ciudades y civilizaciones en botellas (como la ciudad kryptoniana de Kandor”) y cuyo objetivo es agregar la Tierra a su terrible catálogo. De igual origen extraterrestre, inclusive del mismísimo Krypton, es el General Zod , en cuya versión original es un militar con un pasado en común con Jor –El, el padre de nuestro héroe y que conoce sus debilidades. 

Se necesita de toda la maldad, el ingenio y la fuerza para acabar con Superman… ¿podrá alguno de estos villanos acabar para siempre con el Hombre de Acero? La batalla está muy lejos de terminar. 

Poderes bajo un Sol Amarillo 

Superman, rebotando balas, por Alex Ross.

Con el paso de los años, Superman fue adquiriendo cada vez más poderes, entre los que se encuentran su súper fuerza, velocidad, resistencia y capacidad de volar, los más reconocibles; visión de calor, térmica y rayos x; está dotado de una súper inteligencia (de ahí su capacidad moral, pero también un gran interés científico), e incluso posee un pequeño campo de invulnerabilidad que puede mantener hasta a su traje sin desgarrarse. Igualmente, Superman cuenta con dos grandes debilidades: por un lado la Kryptonita, fragmentos de su planeta que llegaron al explotar y que pueden causarle incluso la muerte (e infinitos otros síntomas, dependiendo de su color); y a pesar de aguantar golpes, rayos y disparos como nadie, tampoco es ajeno al poder de la magia, convirtiéndose en su otra gran amenaza.

Marvel versus Sebas 3: Fate of Two Worlds

Fue a último minuto. 


En Unlimited había entregado la introducción lista y dispuesta para la nueva colección de cómics, la primera de Marvel, "Los Nuevos Vengadores". Emocionado estaba de abrir las puertas a un Universo de superhéroes completamente nuevo, después de que la editorial eligiera seguir el camino de DC (Batman, Superman, Linterna Verde) y en donde me había esmerado cada vez más por entregar mayor y mejor información en cada reseña.


Pero a último minuto, la gente de Unlimited me avisa que mi intro no va. Había un problema de tiempos en la entrega con Marvel y simplemente se decidió ocupar una antigua reseña, ya escrita. Penca. Bajón. Me parecía raro, casi insólito, el hecho de que no la hubiesen ocupado. ¿Había sido quizá por incluir la historia de la editorial gringa, con todos su altibajos? Sentía que era necesario que el lector captase las diferencias sutiles entre la Casa de las Ideas y DC, y su origen da una buena idea de como funcionan las cosas en ambas casas editoriales. ¿O quizá me había pasado de listo al hablar de sobremanera de Stan Lee y Jack Kirby, los creadores de los Avengers y padres putativos de todo Marvel, cuando apenas mencionaba a Bendis y Finch que eran -efectivamente- los artistas de la colección? Mala mía, lo reconozco. Mea culpa. Pero con la película a punto de salir y unos cómics con un equipo de héroes totalmente diferente al original se me hacía simplemente sensato hablar de la Dupla de Oro y como partió todo. Aunque sí. Hablé demasiado. Tanto que tuve que sacar pedazos completos para calzar con el límite.

Vengatas Unidos.

Como sea, pasó a último minuto, y luego de unos días, mi Jefe me llamó para explicar todo, y las razones eran mucho menos conspirativas y más comprensibles -lo que lamentaba, ya me sentía de SHIELD- y más de plazos de entregas y deadlines: el cómic debía salir en una fecha establecida, antes de la película, y la gente de Marvel y como ya sabrán, de Disney, no alcanzaban a aprobar mi extensivo texto vengata para darle el visto bueno antes de la fecha límite.


Lo comprendí sin rabias y pregunté si podía publicar la introducción original (*) en algún medio, y aclarar para todos los lectores y amigos que me preguntaron via twitter, mail o en persona, del asunto. Como siempre, el Jefe me dio el visto bueno y no solo eso, sino también el encargo de otra reseña que para mí es de ensueño... pero ya llegaremos a eso, Acá estamos. Hoy salió a la venta la colección de Los Nuevos Vengadores y por supuesto, escriba yo o no la intro, tú no te puedes perder ningún número, para festejar el regreso de la Casa de las Ideas a los kioscos nacionales.


Sebas


(*) Puedes leer la intro original, en el post de abajo. Y te recomiendo que tengas a la mano bebestibles y cocaví, porque es largo. Pero hey, míralo así: no solamente es la reseña de una colección de cómics, sino la historia de un nuevo universo, sus revistas y sus películas. 

Nuevos Vengadores: Introducción Original

Nuevos Vengadores
Los Héroes Más Poderosos de la Tierra
por Sebastián Castro Martínez

Llegó un día en que el caos los superó, y los superhéroes no pudieron continuar peleando por separado. Los villanos se volvieron más hábiles e inteligentes, formando amenazas desde todas las dimensiones conocidas. Había que reunirse. Había que pelear, volver con una revancha e imponer justicia donde ya parecía no había ninguna. Las fuerzas del bien, de una vez y para siempre, tenían que contraatacar… era el día de los Vengadores.
Bienvenidos sean todos al Universo Marvel.


La Casa de las Ideas

En materia superheroica, la editorial DC Comics tenía un completo control sobre el negocio estadounidense en la Edad Dorada de la historieta (1930-1949). Había creado a Superman -el primer héroe, en 1938- y sus nuevas creaciones, como Batman y Flash, se transformaban en éxitos instantáneos que dejaban a las otras compañías con poco para competirles. Por años reinaron sin mayores contratiempos, comprando o fusionándose a otras editoriales pequeñas, haciendo crecer aún más la galería de personajes que semana tras semana eran leídos por miles de lectores. Pero muy cerca de ellos, la editorial Timely (fundada en 1939 por Martin Goodman), incursionaba en el cómic creando a la primera Antorcha Humana, un androide aventurero que, para gran sorpresa, bordearía en su primera aparición casi el millón de ejemplares, convirtiéndose automáticamente en un rival directo de DC. El título de la revista de la Antorcha, sin quererlo, pasaría a ser reconocido por los fans de las historietas: se llamaba Marvel Comics.

El primer cómic de la Timely, que daría tanta, tanta caña. (Click/Zoom)

Luego de varios superhéroes con ventas regulares, el siguiente golpe de la Timely fue realmente un exitazo: en 1941 se estrena la revista del Capitán América, que amparado en la Segunda Guerra Mundial, agota inmediatamente sus ediciones y se convierte en ícono pop, con una sugerente portada en su primer número, donde el Capitán noquea de un solo golpe a Adolf Hitler. Sin embargo, DC Comics sigue creando célebres superhéroes y la Timely parece quedarse estancada en los éxitos de la guerra. En 1950, la editorial cambia su nombre por Atlas Comics, buscando una nueva personalidad con la que deja un lado a los héroes para centrarse en las historias de interés adolescente, y aunque trata de revivir a sus personajes de la Timely, lo hace sin pena ni gloria, siendo totalmente opacados por la competencia.

Pero cuando parecía todo perdido, un concepto distinto comenzaba a nacer. Mientras DC brillaba con las nuevas versiones de sus superhéroes clásicos, la idea de crear otra editorial llena de poderes y mallas –lo suficientemente original para quitarle atención a Superman y sus amigos-crecía con fuerza en las oficinas de la Timely/Atlas, y dos de los principales colaboradores de la editorial desde un principio –el talentoso escritor Stan Lee y el reconocido artista Jack Kirby- reciben la responsabilidad de crear un nuevo universo, uno que –como cábala- llevaría el nombre de la primera revista de héroes que Martin Goodman había lanzado con éxito… era la génesis de la Marvel Comics (1961).

Los Cuatro Fantásticos (1961) fueron la primera muestra de este compromiso por hacer las cosas diferentes. Los nuevos superhéroes de Marvel tenían problemas y complicaciones como humanos normales y distaban por mucho de ser perfectos: simplemente eran un grupo de conocidos que, tal como los tuyos o la míos, se encontraban en el lugar correcto, pero en el momento incorrecto. Esta contraposición de hechos y personalidades que tan bien se le daba a Stan Lee, contrastaba directamente con el arquetipo griego de los superhéroes de DC.

El Comienzo de la Silver Age: Fantastic Four #001 (Click/Zoom)

Los conceptos originales de la Marvel representaron a sus lectores como no lo habría logrado la distinguida competencia, y le valió a la editorial el legendario apodo de la “Casa de las Ideas”; un lugar donde todo podía pasar, donde debajo de una máscara vigilante podía haber un joven fotógrafo; donde un doctor se transformaría en dios nórdico y un premiado científico se convertiría en un leviatán verde si es que lo hiciesen enojar. A los superhéroes de la factoría Marvel les pesaba el hecho de ser heroicos y distaban mucho de ser invencibles, lo que fue el concepto central que reagrupa a Kirby y Lee detrás de un segundo supergrupo, uno que reúne (tal como lo hacía la Liga de la Justicia de DC Comics) a los principales protagonistas de las historietas que publicaban. En Septiembre de 1963 hacen su aparición Los Vengadores, un escuadrón de poderosos vigilantes que luchan unidos “para enfrentar a los villanos que ningún héroe podía enfrentar por sí solo”, como rezaba su lema principal. Los lectores, como no cabía duda, se dejaron llevar por el nuevo estilo que ofrecía la Marvel, lo que lleva a la editorial en una carrera meteórica que la deja a la altura de la popular DC y con la que pasan a convertirse -hasta hoy en día- en las dos principales compañías de cómics en el mundo.


El Hombre y el Rey

Dentro de este nuevo universo de aventuras comiqueras se asentarían sin mayores problemas una galería interminable de héroes impresos (hoy ampliamente reconocidos por sus películas, series de televisión y juegos), pero los que realmente transformaron a la Marvel en lo que es actualmente no fueron los personajes de sus historietas, sino las mentes y talentos que trabajaban los ladrillos en la Casa de las Ideas. La pareja que lideró esta construcción -creadores de la gran mayoría de los héroes de la editorial, incluyendo a los Vengadores- fueron los legendarios Stan “The Man” Lee en guiones y Jack “The King” Kirby”, en dibujos.

Stanley Lieber nació en 28 de Diciembre de 1922, y desde pequeño se dedicó a dos cosas: leer y escribir. Apasionado por los libros de aventuras, comenzó a escribir sus propias obras de teatro en la adolescencia y por esos favores del destino -su prima estaba casada con Martin Goodman, el editor en jefe de la Timely- cuando salió del colegio ya estaría trabajando como asistente en la editorial de cómics. Es aquí donde aprende todas las artes del oficio, con maestros como el mismo Goodman y Joe Simon (creador del Capitán América), escribiendo algunas historias cortas de los héroes de la compañía y firmando con el apodo que le duraría toda su vida: Stan Lee. 

La locura de Lee y Kirby desatada, llegan los X-Men (Click/Zoom)

A los 19 años, Lee ya había creado un par de superhéroes (todos de menor éxito), escrito aventuras de los otros personajes de la editorial y se había convertido en el editor de la compañía, pero pese a sus esfuerzos la Timely/Atlas no parecía avanzar. Lo cierto es que los cómics post-guerra habían desgastado al género así que no estaban teniendo buenas ventas, y lo poco que había se lo llevaba la DC Comics y sus héroes clásicos. A mediados de los cincuentas, un abatido Lee duda de su talento y considera retirarse, pero sería la misma competencia quien lo salvaría. Mientras en la otra empresa relanzaban personajes antiguos para refrescar el mercado, también agregaban un supergrupo a la ecuación: La Liga de la Justicia. Esta acción enciende las ampolletas en Martin Goodman, que le encarga a Stan crear un equipo de justicieros propio, alejado de los convencionalismos de la época. Lee no tenía nada que perder, así que usó su estilo grandilocuente para tratar de construir un equipo absolutamente diferente a lo se había publicado antes. Los Cuatro Fantásticos abren la Edad de Plata de las historietas, convirtiéndose en el primer golpe de Lee a la industria, la misma que no tardaría en recibir una paliza creativa con sus próximas creaciones, entre las cuales se cuentan: El Increíble Hulk, el Poderoso Thor, el Invencible Iron Man, los Extraordinarios X-men, Daredevil: el hombre sin miedo, el Doctor Extraño: maestro de las artes místicas, el Asombroso Hombre Araña (quien se convertiría en la insignia de la compañía) y por supuesto, los Vengadores, los Héroes más Poderosos de la Tierra, con la que reunía a varias de sus anteriores personajes.

Toda la mitología asgardiana reinventada por Wagner y adaptada por Lee y Kirby (Click/Zoom)

Afianzado como la figura pública de la compañía, Stan estuvo por más de 30 años como Editor en Jefe de la Marvel Comics y sin duda, fue uno de los principales artífices de la consolidación del cómic en la cultura popular. En la actualidad, con casi noventa años sobre el cuerpo, “El Hombre” sigue participando en las adaptaciones al cine de sus queridos personajes, posee su propia empresa de entretenimiento -en donde sigue escribiendo e inventando nuevos conceptos- y es respetado, a pesar de su gran ego y conocido acaparamiento creativo, como una de las máximas autoridades en lo que al mundo del cómic se refiere.

Y si de leyendas en el noveno arte se trata, es imposible no mencionar al segundo padre de Los Vengadores, quien sería el compañero detrás de los lápices y el diseño de las historias de Lee durante décadas. Por supuesto, hablamos de Jack “El Rey” Kirby.



Jacob Kutzberg, nacido un 18 de Agosto de 1917, era un chico pobre de Manhattan con pocos dólares en el bolsillo pero que derrochaba imaginación. Fanático de las tiras cómicas de los diarios, practicaba dibujo imitando a los caricaturistas de la época, pero siempre tenía problemas al intentar ingresar a escuelas de dibujo y arte. Sin embargo, esto no desmotivó al joven Jacob, y con el tiempo se las arreglaría para terminar trabajando en periódicos locales, haciendo tiras e ilustraciones.



Su personalidad decidida lo lleva a trabajar en el recordado Estudio Fleicher (creadores entre otros de la series animadas de Betty Boop, Popeye, hasta el mismísimo Superman) pero renuncia al poco tiempo por considerarlo, más que un arte, una fábrica. Lo que buscaba Kirby era crear y se le daría esa oportunidad gracias al boom de los cómics norteamericanos de finales de los años 30. Diversas revistas vieron su inmenso talento desenvolverse y ya dentro del negocio conoce al caricaturista Joe Simon, quien queda inmediatamente prendado de su trabajo. Simon cobija a Kirby bajo su ala, y lo convence para que participen del arriesgado proyecto de Martin Goodman, la Timely Comics.  Hacia 1941, Simon y Kirby producen su primer y trascendental superhéroe, el Capitán América, un personaje que reunía todos los valores patrióticos que se hacían indispensables en tiempos de guerra. La revista es un éxito y el héroe -al ser un soldado normal, expuesto a un experimento- se vuelve un ícono en el conflicto armado. Este primer hit -que además marca el encuentro con Stan Lee, años antes de sus épicas colaboraciones- marca una diferencia con sus anteriores trabajos, y Kirby decide, como ya lo había establecido años antes, cambiar de ritmo para seguir creando. En los años posteriores, Jack se cambia a la Editorial National (que más tarde sería DC) y diseña nuevos personajes (como el Manhunter original, los Retadores de lo Desconocido y la Legión de Voceadores), además de trabajar en distintas revistas de acción, suspenso e incluso, romance. 

Los Challengers of the Unkknown, el equipo de los Cuatro fantásticos en  DC (Click/Zoom)

El regreso total de Jack Kirby a la Marvel es justamente al lado de Stan Lee, en la ya mencionada colección de Los Cuatro Fantásticos, donde el dibujante une todas su anteriores experiencias en narrativa -incluído su paso en los Retadores de la DC- para crear algo jamás visto. Su estilo, fresco y dinámico, le valió la atención no sólo de los lectores, sino de los diferentes artistas del medio, pues encontraban que su filosofía de trabajo duro y de libertad creativa marcaba claras diferencias con lo que se había establecido hasta la fecha: eran los primeros pasos de Jack para convertirse en El Rey.



Quizá una de las características más relevantes en lo que a estilo de narración se refiere, era la dinámica que tenían Lee y Kirby para trabajar los guiones: primero era Stan quien escribía en forma de prosa lo que pasaría en cada página,sin dividirlas en viñetas ni diálogos, sino que concentrado en las acciones que los personajes realizaban, para que luego Kirby tomara este texto y lo dibujara como se le daba la gana. Esta completa libertad le daba a Jack ese sentido de autonomía creativa que siempre le acomodó y que sirvió para probar su arte con diferentes enfoques, efectos y ángulos. Una vez terminada la página, las ilustraciones volvían a la mano de Lee, quien rellenaba los diálogos según la acción de cada bocadillo. A este estilo de trabajo se le denominó el “Método Marvel”, y por años fue muy popular en la industria, ya que permitía tener a los dibujantes concentrados intentando superar las propuestas de página y le daba al guionista de turno un tiempo bastante holgado para trabajar. Era el secreto detrás del prolífico Stan, que llegó a escribir alrededor de 10 revistas mensuales, entre todas sus creaciones.



Con un ritmo de trabajo definido, nada le costó a Kirby adaptarse a las distintas ideas que el ahora famoso escritor le sugería. A los Cuatro Fantásticos se sumarían Thor, Iron Man y Hulk, además de los X-Men, y el diseño del Rey pasó por la mayoría de los héroes y villanos originales de cada colección, por más de diez años. Ni siquiera la cantidad de diferentes personajes que engendró con su pluma le dieron a basto. Jack sugería nuevas conceptos, que potenciaron aún más a la dupla dorada de la Casa de las Ideas. Incluso, se dieron el lujo de traer de vuelta a un campeón que ya no se editaba: el Capitán América volvería dentro de las páginas de Los Vengadores, un sueño que Stan Lee tuviera desde que trabajó con el personaje y que gracias a la relación de Kirby con Joe Simon, logró concretar.

Nuevos Dioses, nuevos tiranos. La épica espacial llevada al siguiente nivel por Jack Kirby (Click/Zoom)

Al comenzar los setentas, Kirby dejaría nuevamente Marvel para instalarse -otra vez- en la DC. El respeto de las casas editoriales hacia El Rey era absoluto, y lo dejaban en completa libertad para probar sus nuevas creaciones. Quizás su aporte más grande a universo de Superman fue la creación del Cuarto Mundo, un plano en donde coexistían los dioses en dos planetas eternamente en guerra, Nuevo Génesis y Apokolips, destacando la creación de Darkseid, el tirano intergaláctico. Se corrió el rumor incluso, de que el Cuarto Mundo “separado por un salto dimensional” del Universo DC como rezaban sus textos, realmente estaba ubicado en el Universo Marvel, por la continuidad de las ideas de Kirby entre una y otra compañía.

El Rey luego retornaría a la Casa de las Ideas, para seguir trabajando en el Capitán América y la creación de los Eternos, otro concepto intergaláctico con seres superiores, que se convirtió con los años en núcleo de nuevas historias, como todo su legado. Volvería a trabajar en animación y hasta crearía nuevos personajes, para finalmente fallecer el 6 de Febrero de 1994, con más de 20,000 páginas dibujadas en su carrera y millones de admiradores alrededor del mundo.




Vengadores Unidos



Si bien exploramos la historia real detrás de la Casa de las Ideas y de los mismos Vengadores, aún nos falta por conocer la leyenda ficticia que uniría al famoso equipo de superhéroes. A decir verdad, en el Universo Marvel todo marchaba perfecto con cada héroe peleando por su lado, pero todo tendría que cambiar con los viles planes de Loki, el hermanastro de Thor. Luego de ser vencido por su medio hermano, el dios del engaño tramó un intrincado plan para borrar a los buenos de un plumazo: usaría al Increíble Hulk para acabar con los demás campeones. Pero con lo que no contaba el villano asgardiano es que Thor, Iron Man, el Hombre Hormiga, la Avispa y el mismo Hombre Increíble terminarían descifrando su plan, venciéndolo en su juego y bautizándose a sí mismos como los poderosos Vengadores.

La primera portada de los Avengers, y como siempre, Loki detrás de todo . (Click/Zoom)

Tras la partida de Hulk -que perdía el control muy fácilmente- no tardaría en unirse al equipo el Capitán América, quien aparecería congelado en las frías aguas del ártico. A pesar de estar atrapado desde la Segunda Guerra Mundial, el supersoldado se adaptaría a los tiempo moderno y tomaría el rol de líder en el campo de batalla del equipo. América, junto con el dios nórdico y el Hombre de Hierro forman entonces la Trinidad Vengadora, convirtiéndose en el motor del grupo y claramente, en sus asociados más importantes.

Con los años, numerosos miembros lograron tener el honor de pertenecer a los Vengadores, incluyendo a Ojo de Halcón, un rebelde circence cuyo talento con el arco no tenía comparación; la Visión, el androide construido por el malvado Ultron que terminaría volviéndose contra su creador; la Viuda Negra, una sensual espía rusa experta en estrategia, y hasta los villanos reformados Quicksilver y la Bruja Escarlata, ambos retoños de Magneto, el archienemigo de los Hombres X. La cantidad de héroes en la parrilla vengadora superaría por mucho los cincuenta miembros y en varias ocasiones de su historial tendrían más de un grupo operando, dividiéndose por reservas, función o hasta costa geográfica.



Tendría que llegar una verdadera crisis para borrar al equipo del mapa, la que se daría en la famosa saga Vengadores Desunidos, en donde cayeron como moscas varios superhéroes que conformaban el grupo, destruyendo por completo a la Mansión Vengadora y disolviendo oficialmente la sociedad de campeones. Lo peor es que todo ocurrió de la mano de una de sus miembros: Wanda Maximoff, la Bruja Escarlata, quien poseída por una entidad maligna que se apodera de su cordura, logra lo que ningún villano -desde Loki- había podido hacer: eliminar a loa Vengadores.

Esta selección de historietas comienza seis meses después de ese caos, en un planeta donde el más famoso grupo de héroes ha desaparecido...




Los Vengadores de Unlimited

Cuatro serán las principales sagas de la colección que hoy tienes en las manos, las cuales están protagonizadas por una de las últimas alineaciones de los Héroes más Poderosos de la Tierra. Dentro de su parrilla, encontrarás personajes tan reconocidos como el Hombre y la Mujer Araña, Wolverine, Luke Cage, Iron Man y el Capitán América, quienes tratarán de salvar al mundo bajo un nombre que ya no existía: el de los mismos Vengadores. Escrita por el multifacético Brian Bendis y dibujada por los talentos de David Finch, Steve McNiven y Mike Deodato, es una reestructuración a toda regla de lo armado originalmente por Lee y Kirby, llevando a los superhéroes hacia terrores modernos y amenazas más cercanas.

Se escapan todos los villanos... ¿Quién podrá defendernos? (Click/Zoom)

1. Fuga
Un misterioso personaje contrata a uno de los enemigos de Spider-Man -el sobrecargado Electro- para que provoque un ataque impredecible dentro de la Balsa, la superprisión de máxima seguridad. Dentro de ella, se reunen los más desquiciados criminales sobrehumanos que pacientemente esperan venganza y que de la nada, ahora se encuentran en libertad. Pero todo el mundo fue testigo de la disolución de los Vengadores... lo que significa que actualmente no hay nadie que pueda contener este escape. Será misión del Capitán América reunir a un puñado de héroes (antiguos compañeros y otros vigilantes solitarios) en una batalla contra el tiempo y una horda de supercriminales huyendo. ¿Pero quién está detrás de la fuga masiva y que pretende? Las respuestas llevarán al improvisado grupo a encontrarse cara a cara con nuevos enemigos, en lugares que jamás habían imaginado.



2. El Vigía
Dentro de la Balsa, los Vengadores se vieron obligados a pedir la ayuda del Vigía, un ex-superhéroe con serios problemas mentales que se mantenía recluido por su propia voluntad. Ni siquiera la ayuda legal del abogado Matt Murdock -conocido en secreto como el héroe Daredevil- bastaría para convencer a Robert Reynolds (el alterego del campeón preso) de su inocencia. Pero luego de un ataque aparentemente sin conexión con este caso, los Nuevos Vengadores descubrirán el bizarro secreto detrás del origen del Vigía y el precio que tendrán que pagar para tener en sus filas al superhéroe con la fuerza de mil soles explotando. Además, harán su primera aparición los Illuminati, un misterioso grupo de personas que está detrás de los secretos mejores guardados del Universo Marvel. 

Un nuevo superhéroe en el barrio y nadie conoce su identidad... (Click/Zoom)

3. Ronin
Mientras el Capitán América intenta armar al supergrupo definitivo, en Japón se desarrolla un oscura reunión protagonizada por los diabólicos ninjas conocidos como La Mano e Hydra, la temida organización terrorista. Los Nuevos Vengadores se trasladarán a Osaka para evitar cualquier acuerdo, y terminarán en una batalla de artes marciales sin cuartel, donde serán ayudados por un hábil guerrero -recomendado por el mismo Daredevil- del que nadie tiene pistas, salvo su nombre código: Ronin. Y por si este misterio no fuese suficiente, todo indica que uno de los mismos Vengadores es un traidor y está trabajando como un doble agente, pero... ¿está fingiendo o realmente es un malvado? 



4.- El Colectivo
Los Nuevos Vengadores han visto al mundo cambiar. Ahora son conocidos en el mundo entero, pero aún así no pudieron detener el desastre conocido como la “Dinastía de M”, una crisis producida en la isla de Genosha -donde residían la mayoría de los mutantes, como los Hombres X- y que terminó con la extinción casi absoluta del homo superior, quitándole los poderes a gran parte de ellos. Después de ser millones, ahora los mutantes son apenas decenas, y por si fuera poco, los residuos de todos esos poderes están golpeando a la Tierra con fuerza. Todo empeorará cuando estos residuos encuentren un anfitrión, un ser con caóticos objetivos que se autodenominará como el Colectivo. Vengadores y mutantes tendrán que hacerle frente a esta amenaza antes de que sea tarde para el resto del mundo...